MUERE EL PADRE PIERRE DUBOIS, ACTIVO DEFENSOR DE LOS DDHH DURANTE LA DICTADURA DE PINOCHET

A las 07.00 horas de hoy falleció en la población La Victoria el padre Pierre Dubois, sacerdote diocesano que se hizo conocido por trabajar junto a los pobladores en la parroquia Nuestra Señora de La Victoria durante los años más duros del régimen militar.

El sacerdote francés nació en 1931, y en 1983 llegó a realizar su labor pastoral en La Victoria, aunque también tuvo destinaciones en la población José María Caro y en el Sagrado Corazón de Jesús de Lo Espejo.

Los momentos más duros los vivió en 1984 cuando falleció el padre André Jarlán en La Victoria, producto de una bala que entró a su dormitorio mientras leía la biblia. Una de las imágenes más recordadas del sacerdote es de cuando se interpuso entre Fuerzas Especiales de Carabineros y los pobladores en una de las tantas protestas en la población.

En 1986 tuvo que enfrentar el exilio. En Suiza comenzó a trabajar en la creación de comités de exiliados, logrando levantar 21 comunidades en tres países. Del exilio regresó en 1990, y se le prohibió vivir en La Victoria, siendo trasladado al hogar de sacerdotes de la comuna de Lo Espejo.

En 2001 el Senado le otorgó la nacionalidad por gracia, lo que no estuvo exento de polémica ya que se le había negado anteriormente debido a los votos en contra de los senadores de derecha.

Pierre Dubois sufría de parkinson, y en 2009 estuvo internado de gravedad en el Hospital Clínico de la Universidad Católica. Finalmente, falleció esta mañana a los 80 años producto de un paro cardiorrespiratorio. Su cuerpo será velado en La Victoria, y su funeral se realizará el próximo lunes, mientras se espera que llegue su familia desde Francia.

CONGRESO - Discografía mínima

Aunque el trabajo de Congreso raras veces ha encontrado el eco masivo, su perseverancia y la solidez de su sonido le han permitido sobrevivir durante más de tres décadas, enfrentando la falta de espacios tras la llegada de los militares, la permanente deserción de integrantes y la escasa difusión para su compleja fórmula musical.

Con una serie de recesos en su historia, Congreso ha escrito su nombre en la historia de la música popular chilena, con una fundamental fusión que, pese a todo, se mantiene vigente y saludable, gozando de un enorme respeto en la comunidad musical. Por su formación han pasado varios de los más destacados instrumentistas del país.

Las raíces de Congreso están en 1964, año en el que comenzaron a trabajar sobre el núcleo de los tres hermanos González, de Quilpué: Patricio, Sergio y Fernando; junto al bajista Fernando Hurtado. Ellos formaron un grupo de rock escolar que se llamó Los Stereos; luego Los Shadows y, finalmente, Los Masters. Durante ese período se dedicaron a hacer covers instrumentales para canciones de rock en inglés. En forma paralela a Los Jaivas, comenzaron hacia 1969 a experimentar con instrumentos autóctonos de origen étnico. Con la incorporación de Francisco Sazo, proveniente de la banda beat Los Sicodélicos, el nuevo conjunto completó su formación. Desde entonces se llaman Congreso.

En 1971 editaron El congreso, su primer álbum, que incluyó un tema basado en el poema de Neruda “Maestranzas de la noche”, según una fórmula que los llevó a presentarse en el Festival de la Nueva Canción Chilena ese mismo año (en el Teatro Municipal de Santiago). Los hermanos González resolvieron entonces ingresar a estudiar en el Instituto de Música de la Universidad Católica, lo cual entrampó su trabajo grupal, aunque sin interrumpir sus presentaciones en vivo.

El golpe militar de 1973 truncó el proceso de grabación de su segundo disco, Terra incógnita, lanzado recién dos años más tarde y con una difusión escasa, dado el cierre de espacios culturales. La banda no bajó sus brazos, y se convirtió en una de las pocas agrupaciones que continuó trabajando en Chile durante los primeros años de la dictadura.

Música de fusión y letras casi crípticas fueron sus códigos para sobrevivir a la rigurosa vigilancia estatal: "Cuatro jinetes negros / pasan volando / Van levantando noche / niebla y espanto", dicen en la "Cueca del apocalipsis" (fragmento del tema "Arcoiris de hollín"), incluido en el álbum Congreso (1977, también conocido además como "el disco café") y en una clara alusión a la Junta Militar. Dos años después grabaron La misa de los Andes, que no alcanzó gran difusión y antecedió el primer desperdigamiento del grupo, cuando tres integrantes, entre ellos el vocalista y letrista Francisco Sazo, se mudaron al extranjero.

Los tres hermanos González tardaron más de un año en rearmar el grupo. Trabajando como músicos de apoyo de orquestas televisivas y sidemen del pianista argentino Raúl di Blasio, conocieron al joven brasilero-chileno Joe Vasconcellos, cuyos intereses latinoamericanistas y su formación musical pensaron que le darían un nuevo aire al proyecto. Junto a él completaron la nueva formación de Congreso.

A la banda ya se había intregrado hacía poco el bajista Ernesto Holman, quien no sólo era un viejo conocido de Tilo González de sus épocas universitarias en el puerto, sino que además se habría de convertir en uno de los hombres más representativos del nuevo sonido de fusión del grupo. Vasconcellos asumió entonces como letrista, y con ese esquema Congreso publicó Viaje por la cresta del mundo (1981), uno de sus más sólidos trabajos, y que además alcanzó reconocimiento público, gracias a la inclusión del clásico "Hijo del sol luminoso".

Moviéndose entre los escenarios del Canto Nuevo, espacios rockeros que se abrían en esos años y circuitos universitarios, Congreso consolidó en ese nuevo contexto su nombre como una banda fundamental de la escena chilena. Con su disco, Ha llegado carta (1983) deambularon por muchos escenarios, y fueron contratados por CBS-Argentina para registrar una nueva producción.

La salida de Vasconcellos llevó al grupo a centrar su repertorio en temas instrumentales, con los que dieron vida a Pájaros de arcilla (1984). Fue un disco que apenas circuló a este lado de la cordillera, y que los alejó del público local, generando una nueva crisis que se zanjó poco después con la reincorporación de Sazo (para entonces, doctor en Filosofía, luego de años de estudio en Bélgica) y la publicación de otro disco que se convirtió en un referente obligatorio del nuevo Congreso: Estoy que me muero (1986). Además, el baterista Sergio Tilo González, líder de la banda, había reclutado a dos jóvenes músicos de Fulano (el tecladista Jaime Vivanco y el bajista eléctrico Jorge Campos), dándole un tercer impulso a la banda. Con formación renovada, Congreso recorrió Chile durante 1987.

Fruto de esa gira salió el cassette doble Congreso en vivo, que se distinguió por su acento en ritmos bailables, canciones luminosas y una colorida puesta en escena, con los que la banda cosechó toda la fama desparramada en veinte años de historia. El tema "Calypso intenso, casi azul" fue el emblema de la nueva etapa, cuyo desarrollo y popularidad coincidió con el plebiscito de 1988 que definió la salida de Augusto Pinochet de La Moneda, y el retorno de la democracia a Chile.

En ese camino editaron Para los arqueólogos del futuro (1989), uno de los discos de más ágil ritmo en su historia, y en el que cantaron sobre libertad racial, ironizaron, jugaron, y desplegaron todos sus recursos instrumentales. Según Sazo, el álbum "apunta a la capacidad de olvido de los latinoamericanos. El olvido para con los muertos, especialmente con los del último tiempo". Temas como "Para la libertad" o "El trapecista" alcanzaron alta rotación radial, y el disco fue el primero del grupo en alcanzar la categoría "de oro" (por 15 mil copias vendidas). Congreso conservó la fórmula en el disco siguiente, Aire puro (1990); pero el eco masivo fue, esa vez, más moderado.

Dos discos conceptuales, de escasa comprensión masiva pero alto desarrollo musical fueron sus siguientes trabajos, ambos editados en 1992. Pichanga era una obra desarrollada sobre la base de poemas de Nicanor Parra acerca de los derechos del niño, y Los fuegos del hielo se compuso para un ballet moderno. Cada uno de estos trabajos resultó complejo para el gran público, ratificando la escasa vocación comercial de Congreso. Si bien el grupo se alejó de rankings y listas de ventas, mantuvo cerca a un público de alta fidelidad.

Para más info: http://grupo-congreso.blogspot.com/

El Congreso (1971)

Terra Incógnita (1975)

Congreso (1977)

Viaje por la cresta del mundo (1981)

Pájaros de arcilla (1984)

MYTHOS- Mythos (1972)

La música de Mythos se sustenta en melodías barrocas casi al estilo de Jethro Tull y ritmos de medio oriente que se mezclan con el blues psicodélico. Su primer trabajo es un disco más que interesante para iniciarse en el Krautrock dada la accesibilidad de los temas, entendiendo que Mythos deja poco lugar para la exploración sonora explotando lo que podría ser relativamente convencional, teniendo en cuenta la complejidad habitual del Krautrock.

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COMETA - Cometa (1986)

Si en los '70 los experimentos chilenos tuvieron a los grupos Aquila y Fusión como los primeros y prácticamente los únicos exponentes del nuevo jazz, las referencias durante la década de los '80 están dirigidas al legendario ensamble jazz-rock Cometa, punto de confluencia para una generación completa de jazzistas que encontraron en los instrumentos electrificados su razón de ser.

Dentro de un marco contextual de silencio obligado, Cometa nació como taller musical desarrollado por un grupo de músicos con intereses comunes y liderado originalmente por el baterista Pedro Greene (miembro fundador de los Blops). Por entonces tocaba en la orquesta televisiva de Miguel Zabaleta, uno de los pocos espacios donde era posible desarrollar el profesionalismo durante el régimen militar. Había estudiado en Berklee y permanecido como músico alternativo durante los '70.

Impulsado por la necesidad de experimentar con música original se unió entonces al guitarrista Carlos Fernández (ex integrante del grupo rock progresivo Embrujo) para iniciar un trabajo de proyección abierta e incierta. Al poco tiempo Fernández fue reemplazado por quien iba a ser una de las guitarras fundamentales del jazz-rock chileno, Edgardo Riquelme. De esos talleres –inspirados en la música del Miles Davis de los '70 y en grupos como Mahavishnu Orchestra y Return to Forever– surgió la pieza "El cometa", título que pronto bautizaría a la banda.

De Edgardo Riquelme a Ángel Parra

Las sesiones de improvisación y grabación informales incluyeron además al tecladista Andrés Miquel y al bajista eléctrico Antonio Sánchez. Al año siguiente este último sería sustituido por otro músico referencial en el jazz eléctrico, el bajista Pablo Lecaros, perteneciente a una dinastía de jazzistas y quien por entonces largaba como músico autónomo. El cuarteto operó como banda estable a partir de 1982, actuando en un heterogéneo circuito de espacios reducidos y teatros, transformándose junto a Quilín y poco después a Fulano en los vértices de este curioso triángulo jazzístico.

Hacia 1985 comenzaron las grabaciones del material que la banda había trabajado en su primera etapa. En 1987 Cometa pasó de cuarteto eléctrico de filiación jazz-rock, a sexteto electroacústico de tendencia a la fusión. Ante la salida definitiva de Riquelme en 1985 para formar al año siguiente el quinteto de fusión Alsur, el grupo sumó al tecladista Andrés Pollak, al saxofonista Marcos Aldana y al joven guitarrista proveniente de Francia, Ángel Parra. Con esta formación a dos teclados el grupo editó su único álbum Cometa (1988) y participó en encuentros jazzísticos organizados por la Radio Classica.

Sin embargo, dada la casi nula posibilidad de proyectar masivamente esta música, Greene disolvió el grupo en 1989, generando así nuevas variantes musicales para la década siguiente: Riquelme lideró Alsur, Aldana siguió en el grupo Coda, Parra se integró a Los Tres, Lecaros fundó Macondo y Greene haría lo propio con La Marraqueta. La última aparición de Cometa (o parte de Cometa) fue la participación informal como banda de respaldo de la cantante Isabel Parra, durante una gira nacional efectuada tras el fin del exilio político (1).

1, Tu sabes que (Andrés Pollak)

2, Soledad (Andrés Pollak)

3, Roppongui (Pedro Greene)

4, Ascencion al Letunio (Andrés Miquel)

5, Para Jaco (Pablo Lecaros)

6, Capitan Nemo (Angel Parra)

7, Quiero chupar tu mano (Pablo Lecaros)

8. Tragantula (Pedro Greene)

9. Kaliro (Andres Miquel)

Andrés Miquel: Piano electrico, acustico y sintetizadores

Andrés Pollak: Pianos acusticos y sintetizadores

Marcos Aldana: Saxo tenor y flauta

Angel Parra: Guitarras sintetizador, electrica y acustica

Pablo Lecaros: Bajo

Pedro Greene: Batería electrica, acustica y percusión

Musicos invitados:

Edgardo Riquelme: Guitarra acustica en tema 7

José Miguel Miranda: Sintetizadores en temas 3 y 8

Santiago Salas: Percusion en temas 7 y 8

Pachi Salgado: Voz

Javiera Parra :Voz

Manuel Villarroel: solo de piano acustico en tema 3

Roberto Monsalve: Percusion adicional en tema 9

Domingo Vial: cabasa en tema 4

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Pierre Bourdieu - Las reglas del arte

Bourdieu parte del análisis de La educación sentimental, de Flaubert, para mostrar de qué modo opera la literatura en el descubrimiento de las estructuras de la realidad. Defiende la posibilidad que las ciencias sociales tienen de utilizar la obra literaria y su campo para definir esas estructuras de la realidad que la literatura sólo descubre velándolas. Y muestra la ausencia de contradicción entre la reivindicación de la autonomía del campo literario y la posibilidad de una crítica sociológico de este campo. El análisis sociológico no atenta contra la autonomía del campo, sino que la asume como punto de partida, incluso como condición necesaria para que el análisis sea efectivo. Y la defensa de la autonomía se extiende al trabajo del intelectual y al campo de los intelectuales, definido al final del libro como un corporativismo de lo universal.

El texto de Bourdieu, con el que arranca su libro Las reglas del arte, trata de desarrollar la hipótesis según la cual La educación sentimental restituye fielmente la estructura del campo social de la cual esa misma novela es producto. Al hacerlo, asume la eficacia del proyecto realista flaubertiano, si bien reconoce la necesidad de completar sus logros mediante un análisis sociológico que permita el desenmascaramiento de las estructuras sociales que subyacen a las interacciones sentimentales frente a las que habitualmente se han detenido quienes han realizado el análisis desde un “sentido literario”.

La educación sentimental es, como se le echó en cara a Flaubert en su momento, “un trozo de vida”. Relata el proceso de maduración de Fréderic, un joven provinciano, estudiante de derecho a expensas de su madre, quien recién llegado a París, se enamora de la señora Arnoux, mujer de un editor de una revista de arte y vendedor de cuadros. Este amor imposible condicionará toda la vida del protagonista, a quien Flaubert retrata como un personaje incapaz de implicarse profundamente en nada: la economía (los negocios que le propone el señor Dambreuse), la política (su candidatura a diputado) o los juegos de la alta sociedad. Fréderic es un personaje que, literalmente, pasa por la vida. Flaubert se encarga de construir su narración de modo que el tiempo transcurra rápidamente, sin grandes cambios. Incluso la revolución de 1848 se desliza sobre la vida de Fréderic sin afectarle mayormente. Sin embargo, como observa Bourdieu, esa apariencia de naturalidad, ese “trozo de vida” es el resultado de una “magia evocadora de palabras aptas para hablar a la sensibilidad y para conseguir una creencia y una participación imaginaria análogas a las que atribuimos habitualmente al mundo real”. “El efecto de realidad”, añade Bourdieu, “es esta forma muy particular de creencia que la ficción literaria produce a través de una referencia denegada a lo real designado que permite saber rehuyendo saber de qué se trata en realidad.

La lectura sociológica rompe el hechizo y saca a la luz la estructura del espacio social en el que se desarrollan las aventuras de Frédéric, resulta ser también la estructura del espacio social en el que su propio autor está situado.” Lo hace habitualmente, atravesando los velos de esa “ilusión (casi) universalmente compartida” que llamamos realidad social. Lo hace en este caso, atravesando el “hechizo” de una creación narrativa que consigue reproducir fielmente esa ilusión. La utilización de los términos ilusión y realidad que Bourdieu realiza se sitúa en dos niveles. En el campo social, la ilusión literaria se opone  a la ilusión compartida (realidad social), de la que en este caso es “reflejo”. En el campo literario, la ilusión personal se opone a la realidad social reproducida, de la que es antagonista (tanto en el caso de Fréderic como en el caso de Madame Bovary o de Bouvard y Pécuchet). Lo real sería aquello que resquebraja la ilusión en cualquiera de sus niveles, aquello que provoca la experiencia amarga en el ámbito literario y el conocimiento científico en el ámbito sociológico. Pero lo real escapa a la representación: toda representación lo es siempre de una ilusión, más o menos compartida, a la que denominamos realidad.

De modo que, podríamos distinguir al menos tres niveles en el campo de la construcción realista: lo real, la realidad (ilusión compartida) y la ilusión (segunda realidad). En el análisis de Bourdieu, lo real se identifica con la estructura social. Pero en otros análisis podría ser identificado con el espíritu racional (idealismos), la materia (realismo crudo), la vida (realismo impresionista). La realidad es “el referente universalmente garantizado de una ilusión colectiva”, que sirve como garantía para la evaluación del resto de las ficciones; es la representación o composición en que la sociedad se concibe, que incluye lo real, pero disponiéndolo de un determinado modo. Finalmente, estaría la “illusio”, la segunda realidad, no compartida, sino reservada a unos pocos, o incluso a uno solo, esa realidad en la que deciden vivir los principales personajes novelescos de Flaubert.

Bourdieu procede estableciendo un esquema del campo del poder segúnLa educación sentimental: los personajes se dividen en dos ámbitos: el del arte y la política, de un lado, y el de la política y los negocios de otro. En la intersección de ambos campos se encuentra el protagonista, Frédéric, sobre el que Flaubert proyecta gran parte de sus preocupaciones y sus gustos.

El campo del poder es descrito por Bourdieu como un campo de juego: “las posesiones, es decir el conjunto de propiedades incorporadas, incluyendo la elegancia, el desahogo o incluso la belleza, y el capital bajo sus diversas formas, económica, cultural, social, constituyen bazas que impondrán tanto la manera de jugar como el éxito en el juego, en resumidas cuentas todo el proceso de envejecimiento social que Flaubert llama “educación sentimental”.

Gran parte del estudio de Bourdieu está dedicado precisamente a la constatación de eso que él llama la “adolescencia” de Fréderic. La adolescencia es ese momento en que aún no se ha “entrado en la vida”, en el que aún no se han aceptado “las reglas del juego social” y se persiste por tanto en dar la espalda a la realidad, aferrándose al territorio de la “illusio”. “Entrar en la vida”, como se suele decir, es aceptar entrar en uno u otro de los juegos sociales socialmente reconocidos, e iniciar elcompromiso inaugural, económico y psicológico a la vez, que implica la participación en los juegos serios que integran el mundo social. [...] Fréderic no consigue comprometerse en uno u otro de los juegos de arte o de dinero que propone el mundo social. Rechazando la illusio como ilusión unánimemente aprobada y compartida, por lo tanto como ilusión de realidad, se refugia en la ilusión verdadera, declarada como tal, cuya forma por excelencia es la ilusión novelesca en sus formas más extremas (en don Quijote o Emma Bovary, por ejemplo). La entrada en la vida como entrada en la ilusión de realidad garantizada por todo el grupo no es tan evidente.

Según Bourdieu, la negativa de Fréderic a “entrar en la vida” es indicio de una impotencia para tomarse en serio lo real, pero también consecuencia de su cobardía, de su miedo al fracaso. Desde esta perspectiva, la construcción del mundo imaginario en la que se empeñan tanto Fréderic como Emma no son más que el resultado de su incapacidad para intervenir en lo real. ¿En qué medida el bovarysmo afecta también al propio autor de la novela? A juzgar por el retraimiento de Flaubert, su vida de retiro en la provincia y su amor por el Arte (en cuanto “mundo de ficciones” donde “todo es libertad”), cabría pensar que también él habría estado afectado por la enfermedad de la adolescencia, ese desfase entre el envejecimiento biológico y el envejecimiento social que sufren sus personajes. Y, sin embargo, la diferencia es clara: si Fréderic rehúye “entrar en la realidad” por cobardía, por temor al fracaso en el interior del campo social elegido, el autor, dueño de su campo, el literario, decide voluntariamente recluirse en él y hacer de la literatura un duplicado de la realidad, un mundo tan bien estructurado como el real. Al contrario que Fréderic, Flaubert entra de lleno en el “juego serio” de la literatura, ocupando así un lugar definido en el interior del campo social, del campo de la realidad. Lo peculiar de este campo es que permite a sus habitantes la práctica de una actividad en que la “illusio” tiene una función en el ámbito de la realidad.

De modo que la adolescencia, despreciada como síntoma de impotencia y cobardía en el campo social (o en el interior del campo de la ficción literaria en cuanto reflejo del social), puede convertirse en un rasgo valioso de carácter en el interior del campo artístico.

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QUIET SUN - Mainstream (1975)

Quiet Sun fue una banda inglesa de rock progresivo y jazz fusión encuadrada dentro de la escena de Canterbury, formada por Phil Manzanera (guitarra), Bill MacCormick (bajo), Dave Jarrett (teclado) y Charles Hayward (batería)

Quiet Sun se formó en 1970 bajo el nombre de Pooh and the Ostrich Feather, después de que Bill MacCormick se hiciese amigo de Robert Wyatt, el hijo de unos amigos de su madre. La banda incluyó elementos del jazz al rock progresivo, en un estilo muy parecido al de Soft Machine. Sin embargo, el estilo del guitarrista Phil Manzanera hacía que la música de Quiet Sun se alejase de la de Soft Machine, quienes no utilizaron la guitarra hasta el lanzamiento de Bundles en 1975.

Quiet Sun se separó en 1972, y sus miembros tomaron caminos distintos. Manzanera formó Roxy Music, MacCormick se unió a Matching Mole y Jarrett consiguió un trabajo como profesor de matemáticas.

En 1975, Manzanera consiguió que sus antiguos compañeros se reuniesen y grabasen el material que tenían compuesto antes de su separación, coincidiendo con la grabación del álbum en solitario de Manzanera, Diamond Head. El álbum, llamado Mainstream, contó con la colaboración de Brian Eno y se adjudicó buenas críticas de la prensa especializada.

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La investigación cualitativa - Bibliografía mínima

A lo largo del siglo XX se fue configurando de forma progresiva en las ciencias sociales y   humanas, paralelamente a los desarrollos en la filosofía de las ciencias, un enfoque de la investigación asociado fundamentalmente a perspectivas epistemológicas y teorías de corte interpretativo y también sociocrítico.

Este enfoque denominado “investigación cualitativa” tiene múltiples usos y significados que se han ido adaptando a través del tiempo.

Podemos sostener que la investigación cualitativa es un campo interdisciplinar. Atraviesa las humanidades, las ciencias sociales y físicas. La investigación cualitativa es muchas cosas al mismo tiempo. El multiparadigmática en su enfoque. Las personas que la practican son sensibles al valor de un enfoque multimétodo. Están comprometidas con una perspectiva naturalista y una comprensión interpretativa de la experiencia humana. Al mismo tiempo, el campo de la investigación cualitativa es inherentemente político y se perfila a través de múltiples posiciones éticas y políticas. La investigación cualitativa abarca dos tensiones. Por un lado, supone una amplia sensibilidad interpretativa, posmoderna, feminista y crítica. Por otro, recoge una estrecha definición de las concepciones positivistas de la experiencia humana y su análisis.

Los libros que exponemos a continuación rescatan parte de lo anteriormente dicho. Esperamos que sean un aporte a quienes de nuestros lectores les interese el tema o se encuentren realizando alguna actividad investigativa. Desde ya declaramos que esta entrada va a estar en permanente construcción por lo que poco a poco la lista de textos va a ir aumentando. Por ahora disfruten de estos primeros trabajos.

Anselm Strauss & Juliet Corbin - Bases de la investigación cualitativa

Ángel Gordo & Araceli Serrano - Estrategias y prácticas cualitativas de investigación social

Gabriel Gutiérrez - Metodología de las ciencias sociales

Roberto Hernández, Carlos Frenández & Pilar Baptista - Metodología de la investigación 

S.J. Taylor & R. Bogdan - Introducción a los métodos cualitativos de investigación

Gloria Pérez Serrano - Modelos de investigación cualitativa

Julio César Jobet- Ensayo crítico del desarrollo económico-social de Chile

Este libro tiene un marcado carácter polémico. Se acentúan en sus páginas y se difunden en ellas las doctrinas socialistas. En la tesis que sustenta, hay un contenido de raíz marxista inteligentemente aprovechado. Las expresiones peculiares del lenguaje político de un partido afloran con frecuencia. Una crítica acerba del régimen político, social y económico del liberalismo que ha gobernado la república anima el pensamiento del autor. Es manifiesta la tendencia a hacer la historia del pueblo en su áspera lucha por el mejoramiento de su destino.

Se enjuicia la conducta de los grupos sociales formados en el Poder que controlaron la agricultura, la industria y el comercio, como una plutocracia, en la dirección superior del país. De aquí deriva la violencia, a veces, de la palabra en un estilo escueto y sin adornos literarios ni estéticos.

La obra de Jobet tiene, además del valor histórico y sociológico que reconozco sin trepidación alguna, otro muy interesante para el estudio de las ideas de su generación.

Julio César Jobet perteneció a la generación de 1930. Un fuerte sentido de responsabilidad social, que se empapaba en el ferviente deseo de provocar un cambio de régimen en Chile, agitaba las conciencias de esa juventud. Apareció en la acción pública en contra de la dictadura de un vulgar soldado, encaramado en el poder, llamado Carlos Ibáñez, cuyo gobierno merecía ya entonces, por sus actos de tiranía, un sentimiento de repudio. Los grupos más esforzados y dinámicos de la juventud de 1930 fueron formados por los estudiantes universitarios. En ellos se alistó Jobet. Esos jóvenes debieron improvisarse para la lucha con rapidez en círculos que conspiraban y que, al mismo tiempo, nutrían sus inteligencias con las ideas marxistas que entonces se esparcían por todo el mundo, como consecuencia del triunfo de la Revolución Rusa. Según ellos, el sistema democrático-capitalista había hecho crisis o atravesaba por una honda disgregación; era visible el advenimiento de la era de los obreros, cuyo vigoroso movimiento se observaba en los grandes países democráticos.

La evolución histórica de Chile, proclamada por los historiadores conservadores y liberales, como grandiosa en lo político y ejemplar desde el ángulo de la organización jurídica, es una ficción. Magníficas leyes establecen grandes conquistas sociales, mientras en la vida diaria las más tremendas injusticias, miserias y expoliaciones agobian al pueblo. Para descubrir las causas de esta contradicción en la estructura del país, Jobet se remonta al análisis de todo el proceso histórico, guiado por el método del materialismo histórico, preocupándose de una manera sustancial por desentrañar los cambios económicos y las transformaciones sociales que experimentó el país, mucho antes que las luchas políticas de simple superficie, reflejos de aquellos cambios estructurales.

Llega a comprobar que Chile carece de una estructura económica y social homogénea, entrelazándose en ella formas de producción capitalista, lo que le asigna un carácter de país semifeudal y semicapitalista.

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José Bengoa - Historia del Pueblo Mapuche (Siglos XIX y XX)

Esta es una historia acerca de la intolerancia. Acerca de una sociedad que no soporta la existencia de gente diferente. De un país español, criollo, europeo, cristiano occidental, que se dice civilizado y trata de acabar con los bárbaros, los salvajes, los hombres que deambulan libremente por las pampas y cordilleras del sur del continente. Ellos se defendieron del salvajismo civilizado; hicieron lo que pudieron, vivieron como mejor supieron, pelearon hasta el cansancio, y terminaron por morir y ser vencidos por el progreso. Entró, el ejército, lo siguieron el ferrocarril y los colonos que venían a “hacer la América”, sin percatarse siquiera de lo que había ocurrido. Esta guerra inicua, que nuestros gloriosos ejércitos republicanos emprendieron en la segunda mitad del siglo pasado, fue guiada por la intolerancia: el derecho de quien se Cree civilizado a combatir la barbarie, en nombre de banderas y santos coronados de las mitologías del progreso de la humanidad.

La historia de los que no aceptaron ha sido silenciada. Hay, al parecer, una definida tendencia a identificar la historia humana con la historia de los vencedores; los vencidos -tantas veces percibidos como barbaros- no Suelen tener historia, o su historia es absorbida por el triunfalismo de los vencedores. Quedan así en la memoria, cuando han quedado, como curiosas especies que no lograron sobrevivir, o perdiendo la propiedad de sus aportes al desarrollo del hombre, u ocupando un lugar en la mitología del vencedor, donde personifican fantasmales fuerzas del mal, del pasado, de la monstruosidad que el progreso de los pueblos debe desterrar. Es lo sucedido con el pueblo mapuche en nuestras historias, las que nos han hecho olvidar que en él había familias, amores, sentido del honor, moral intachable; en fin, vida humana en toda su complejidad.

El objetivo de este libro ha sido rescatar esta historia olvidada, negada, silenciada por nuestras culturas intolerantes. Cada frase, cada relato, cada episodio recuperado, es un alegato ético que rechaza la intolerancia y afirma el derecho de los pueblos a ser como quieren ser, a vivir de acuerdo a sus propias modalidades sociales. No solamente importa que hayan muerto muchas personas, que se pueda hablar de genocidio o etnocidio; importa mis aun que se siga pensando en forma intolerante.

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Eugenio Pereira Salas - Apuntes para la historia de la cocina chilena

El estudio de la cocina por un tiempo fue sólo un pequeño capítulo de “petite histoire”; pero ahora se ha transformado en una de las claves con que la etnografía explica múltiples mitos primitivos. Para Claude Levy-Strauss, “lo crudo, lo cocido, lo fresco y lo podrido, lo mojado y lo quemado”, toman categorías especiales que él mismo, con su sapiencia y recursos hermenéuticos, trata de descifrar.

Este libro del historiador chileno Eugenio Pereira Salas  (1) es un bosquejo de las etapas del desarrollo de la alimentación nacional, no desde el punto de vista de la economía, la higiene o la dietética, sino como una de las formas regionales de la gastronomía, del “santo plato”.

La cocina chilena que hoy conocemos es el resultado de tres tradiciones culinarias que se funden y dan vida a la llamada cocina criolla: la tradición indígena, que se hizo sentir en las materias primas aprovechadas; la herencia española, es decir, los hábitos gastronómicos, y los usos y costumbres que trajeron los conquistadores; y por último, la influencia extranjera, en especial, la influencia de la cocina francesa.

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Blondie - Parallel Lines (1978)

Sinceramente, no se bien por dónde empezar con esta obra maestra... No vuelvan atrás, han leído bien, esta OBRA MAESTRA. Puro pop... ¿Y qué? ¿Acaso no se puede hacer una obra maestra de puro pop? ¡Cómo no!, algo como Rubber Soul por ejemplo, y para ser sinceros Parallel Lines no tiene mucho que envidiarle a la obra de los Beatles; está ahí nomás de ser el mejor disco pop de toda la década de los setenta, compitiendo mano a mano con alguno de mccartney solista, y superando sin problemas a adversarios más célebres como Fleetwood Mac y álbumes como Rumours.

Sucede que Blondie finalmente SÍ es una banda comercial, pero de las buenas, de las que el 99% de los grupos pop de esta tierra miran desde bien abajo. ¿Por dónde empiezo? Ahhh, difícil... Empecemos diciendo que entre estos doce temas no puedo encontrar Un maldito relleno... Bueno, quizá dos o tres por ahí en el medio puedan considerarse "menores", pero están compensados por un resto que alcanza alturas increíbles de calidad; clásico tras clásico del pop, de esas cosas que desearíamos más seguido en la radio en vez de bodrios industriales como Celine Dion y Whitney Houston. Digamos que en general no es un disco 100% consistente, pero sus puntos más altos son muy altos y son muchos, lo cual basta para garantizar satisfacción completa; todavía me sigo maravillando de que canciones como Sunday Girl, Heart Of Glass, Picture This, Just Go Away o Hanging On The Telephone hayan terminado en el mismo álbum... ¡Cuánta injusticia! ¡Cuánta desigualdad! Habiendo tantos discos pop que no alcanzan a meter una sola canción decente, habiendo tantos grupos que matarían por componer al menos UN clásico así, Blondie sale con su fanfarronería y ostenta cinco o seis clásicos absolutos metidos todos en el mismo álbum...

Parallel Lines, su tercer disco, viene a ser algo así como el momento en el que Blondie "se vende" al pop comercial, pero lo cierto es que no traiciona demasiado sus raíces y el disco está lleno de riffs abrasivos, grooves rockeros, trucos instrumentales de alto vuelo e incluso ciertas concesiones de oscuridad... O sea, es un pop que no solo engancha, que no solo llena el espíritu de vida, sino que también muerde y excita y en esto se diferencia notablemente de corrientes como el "soft-pop" o el "adult-contemporary" y todas esas cosas suavecitas y predecibles que dan vueltas por la FM... Así que sépanlo bien; cuando digo "pop", en este caso me refiero a algo más rockero y crudo si se quiere, que solo llamo así por los tremendos ganchos que descarga sobre el oyente. Una vez un conocido tuvo la desgracia de fallecer escuchando Parallel Lines, atragantado de tantos ganchos y tantas melodías juntas y de una sola vez... Y la verdad es que puede pasarle lo mismo a cualquiera.

Contenido del álbum

Título

1-. Hanging On The Telephone (2:17)

2-. One Way Or Another (3:31)

3-. Picture This (2:53)

4-. Fade Away And Radiate (3:57)

5-. Pretty Baby (3:16)

6-. I Know But I Don't Know (3:53)

7-. 11:59 (3:19)

8-. Will Anything Happen? (2:55)

9-. Sunday Girl (3:01)

10-. Heart Of Glass (3:45)

11-. I'm Gonna Love You Too

12-. Just Go Away (3:21)

ALAS - La discografìa (para mi gran amigo y compadre Jorge Amarales Osorio)

Formados en 1974 luego del alejamiento de Gustavo Moretto  del grupo Alma y Vida, debutaron en marzo de 1975 en el Teatro IFT.  Recorren varias provincias y a fines del 75 editaron el simple "Aire" y "Rincón, mi viejo rincón". El disco debut llegó al año siguiente pero contenía solo dos temas: "Buenos Aires solo es piedra" y "La muerte contó el dinero", ambos con fusiones tangueras y folclóricas, que fue lo que marco la originalidad del grupo. Acompañados por el bandoneonista Daniel Binelli continuaron de gira hasta la consagración con un recital en el Teatro Coliseo donde además de Binelli  tocaron José Mossalini y Rodolfo Mederos. En 1977 Zucker es reemplazado por Pedro Aznar, ex Madre Atómica. Con esta formación grabaron el segundo disco que recién salió a la venta en 1983, cinco años después de la disolución de la banda. En el año 2000, el sello EMI publicó los dos discos de la banda en un sólo CD, bajo el título "Archivo EMI".

En marzo del 2003 se concreta el reencuentro de la banda, con una serie de shows en Estados Unidos, con Néstor Marconi y Pedro Aznar como invitados. La presentación en Buenos Aires tuvo lugar en agosto del mismo año, en el teatro ND Ateneo agregándose a la formación original Martín Moretto (hijo de Gustavo) en guitarras."

Mi Buenos Aires sólo es piedra (1976)

 

Pinta tu aldea (1983)

Visca Catalunya!!!

El centro de Barcelona está a rebosar por la mayor manifestación independentista de la historia de Cataluña, bajo el lema Cataluña, nuevo Estado de Europa. Un millón y medio de personas, según la Guardia Urbana (dos millones según los organizadores) han tomado las calles de Barcelona para manifestarse por la independencia de Cataluña. Esta cifra la convierte en la marcha más masiva de las celebradas hasta hoy en Barcelona. Las calles están colapsadas por miles y miles de manifestantes con banderas independentistas, les 'estelades', y el recorrido de la manifestación está colapsado por la gente: desde la Diagonal hasta el final de la manifestación las calles siguen llenas dos horas después del inicio de la manifestación. La marcha ha ocupado el doble de calles de las previstas.
La multitud ha obligado a desplazar la cabecera de la manifestación y alejarla del Paseo de Gracia, por donde no podía avanzar. "Aunque está todo colapsado, hemos querido empezar a caminar", ha explicado en declaraciones a TV-3 la presidenta de la Asamblea Nacional Catalana, entidad organizadora, Carme Forcadell.  La cabecera se ha desviado por un recorrido alternativo para poder cumplir con el horario y llegar a las 20 horas al Parlament, donde una delegación de la ANC se ha reunido con la presidenta de la cámara, Núria de Gispert: "Estamos exultantes, felices, es un día de joya para todo el país y queremos dar las gracias a todo el pueblo de Cataluña porque está respondiendo magníficamente", ha recalcado Forcadell. En el Parlament, la presidenta de la ANC ha reclamado al Gobierno que inicie el proceso por la secesión de Cataluña. Los organizadores han logrado un objetivo más modesto: De Gispert ha anunciado que el presidente Artur Mas se reunirá con una delegación de la ANC "en uno o dos días". "A medida que iban pasando los minutos nos hemos emocionado. Sentíamos la voz de la gente", ha dicho la presidenta del Parlament. La manifestación ha tenido dos finales: por un lado, la cabecera se ha desplazado a la cámara para el encuentro oficial; por otro, en la calle Marqués de la Argentera (uno de los accesos al Parc de la Ciutadella, donde hay el Parlament), un grupo de ciudadanos han leído el manifiesto de la marcha en varios idiomas. El último, en castellano: "Escucha España. Ningún pueblo se merece el trato que hemos recibido de ti. Y por ello, para casos como el nuestro, la comunidad internacional ha concebido el derecho de la autodeterminación y debemos ejercerlo".
La Guardia Urbana ha cerrado el tráfico a primera hora de la tarde, y las calles adyacentes de la marcha que sí están abiertas se han colapsado por los autobuses que han llegado a la ciudad: solo los organizadores (la Asamblea Nacional Catalana) han fletado 1111 vehículos. El ajetreo ha provocado un pequeño accidente en el peaje de Mollet (Vallès Oriental), un choque entre tres autobuses que se ha saldado con siete heridos leves. Caminar por el centro de Barcelona empieza a ser complicado, e imposible por el recorrido de la marcha. La Guardia Urbana ha cerrado provisionalmente la estación de trenes de Paseo de Gracia para evitar el colapso.
La manifestación no ha sido convocada por ningún partido político, que han vivido a contra pié su crecimiento. La Asamblea Nacional Catalana, nacida del espíritu y de la gente que organizó en centenares de municipios catalanes las llamadas consultas soberanistas, planteó celebrar la marcha en marzo. Solo los más optimistas confiaban en un éxito como el que ya se deja notar a esta hora en Barcelona: "No me lo esperaba, solo los más entusiastas lo decían al principio", ha reconocido esta mañana la presidenta de la ANC, Carme Forcadell. La Asamblea espera que la de esta tarde sea "la manifestación más importante y masiva" de la historia de Cataluña. El ambiente en la calle recuerda mucho al que se vivió en la última gran marcha por el centro de Barcelona, el 10 de julio de 2010, en contra de la sentencia del Tribunal Constitucional sobre el Estatuto de Cataluña.
El Gobierno catalán apoya la marcha independentista porque considera que se puede usar de argumento para defender el pacto fiscal, el gran objetivo del presidente Artur Mas en esta legislatura. Mas no está en la marcha -considera que por su "rol institucional" no debe asistir- pero aseguró en su discurso de ayer que hará suyo el clamor de la manifestación y que la comunidad se acerca a la independencia. "Nunca como ahora Cataluña había estado tan cerca de su aspiración y su anhelo de plenitud nacional", remarcó. Pese a la ausencia del presidente, la mayoría del Gobierno está en la marcha -solo faltan el consejero de Interior, Felip Puig, por motivos logísticos, y los de Justicia, Pilar Fernández, y Economía, Andreu Mas-Colell- y Convergència i Unió ha movilizado todas sus bases, puntualizando que también es una manifestación a favor del pacto fiscal. También ha echado el resto Esquerra Republicana, e Iniciativa acude pero con una pancarta en la que también protesta por los recortes de mas y Rajoy.
El Partit dels Socialistes se ha visto obligado a abrir un debate en el partido sobre el independentismo: oficialmente la formación no acude a la marcha, pero caras destacas del partido sí asisten a la manifestación. Los dirigentes del ala más catalanista se han dejado ver en la manifestación coin una pancarta propia. Los exconsejeros Ernest Maragall, Antoni Castells, y Marina Geli; el alcalde de Lleida, Àngel Ros; la diputada Laia Bonet; y el miembro de la ejecutiva Joan Ignasi Elena desfilan bajo el lema: "Cataluña es estado y somos Europa". El primer secretario socialista, Pere Navarro, rechazó la manifestación al considerarla "excluyente".

Sergio “Sapito” Livingstone, adios maestro...

El 26 de marzo de 1920 nació Sergio Roberto Livingstone Pohlhammer, más conocido como Sergio “Sapito” Livingstone, en el seno de una familia de origen escocés. Su padre, Juan Livingstone Eves, es considerado uno de los pioneros del fútbol en Chile ya que fue el primero en traer una pelota de fútbol al país. Según su biografía, a los ocho años comenzó a jugar al arco en el Colegio San Ignacio.
A los 15 debutó en la Unión Española. Sin embargo, tuvo una poca o casi nula participación en este club. Hecho que gatilló en su decisión de ingresar a la Pontificia Universidad Católica de Chile para estudiar Derecho. Posteriormente, intentó nuevamente en Universidad Católica. Aquí lo hizo profesionalmente. En esta étapa, el “Sapito” Livingstone fue incorporado en la lista de los mejores arqueros sudamericanos del momento. Estuvo en la UC hasta 1942.
Luego, estuvo en las filas de  Racing Club, equipo que pagó por él cerca de 280.000 pesos (24 mil dólares), un récord para la época. Su debut se produjo el 11 de abril de 1943 ante más de 50.000 personas en un amistoso ante Boca Juniors. Su salida del club trasandino se debió a la nostalgia que sentía por una mujer que a la postre fue su primera esposa.
En una entrevista con el diario The Clinic, Livingstone aclaró: “Cuando me contrataron en Racing, una amiga mía me convidó a comer y la comida resultó más cálida de lo que pensaba. Entonces, me fui a Buenos Aires, me quedó dando vueltas eso y, cuando vine con el club a jugar acá, me volvió a convidar y empezamos a pololear como locos y después me casé con ella y se transformó en la madre de mis hijos. Pero con el tiempo me separé. Al principio uno piensa que es la única mujer en el mundo y desgraciadamente no es así. Así que dejé botado Racing, con un contrato pendiente, y me vine. Fue algo absolutamente estúpido. Ahora cuando hay jugadores que hacen cosas y los enjuicio, me digo, “cómo te olvidas de tu vida, de los disparates que cometiste”.
Apareció en dos portadas de la revista El Gráfico. Una en la que aparece como portero de la selección chilena y otra atajando para “Racing”. Regresó al país en 1944 y se reitegró a la UC, donde consiguió los títulos de la liga chilena de 1949, bajo la dirección técnica de Alberto Buccicardi, y 1954. El “Sapito” debutó en la selección chilena el 2 de febrero de 1941. Por la selección jugó el Mundial de 1950 y 6 Copas América (1941, 1942, 1945, 1947, 1949 y 1953). Además, posee el récord del jugador con más partidos jugados en Copa América, con 34.
Livingstone otuvo en 1987 el Premio Nacional de Periodismo Deportivo. Trabajó desde 1962 hasta 1969 en Canal 13 y desde ese año en Televisión Nacional de Chile.
En la misma entrevista con The Clinic, recordó el momento en que cumplió 40 años de dupla con Pedro Carcuro: “Lo curioso es que Pedro siempre me trata de usted, me dice don Sergio, nunca me ha tratado de tú y yo lo trató de huevón para abajo”.
Al ser consultado por cómo se habría comportado de haber sido jugador hoy en día, señaló: “Claro que habría ido a la Kmasú, hubiera sido farandulero, seguro”.

BRONISLAW MALINOWSKY - Bibliografía Mínima

Bronislaw Malinowsky (1884–1942) ha sido uno de los más grandes antropólogos dedicados al trabajo de campo.  Qué mejor que la descripción de su trabajo en la introducción a Los argonautas del Pacífico Occidental (que ya estaremos en condiciones de poner en línea) para conocer el tema. Aprendió a hablar el lenguaje de los trobriands, a los que estudiaba; vivió con ello y apuntó la mayoría de los datos en su idioma. La descripción de la propia experiencia en las islas Trobriand, es la fuente de mayor influencia en las décadas posteriores, y establece unos modelos que todavía no han sido realizados por la mayoría de los etnógrafos.

Malinowsky y Alfred Radcliffe-Brown son considerados como los fundadores del funcionalismo moderno en antropología. El funcionalismo de Malinowsky viene orientado biológica y psicológicamente. Su aceptación del funcionalismo como una transformación de las necesidades del individuo en necesidades sociales secundarias, comprende este punto de vista. Debe observarse que este punto de vista biopsicológico del funcionalismo es muy diferente del de Radcliffe-Brown, que no tiene en cuenta al individuo y enfatiza en las funciones del sistema social.
El funcionalismo de Malinowsky se funda en lo que él considera las siete necesidades básicas del hombre: nutrición, reproducción, comodidades físicas, seguridad, relajación, movimiento y crecimiento. Estas necesidades individuales se satisfacen por las instituciones culturales y sociales derivadas, cuya función es satisfacerla. Es decir, cada institución social tiene necesidad de satisfacer, y así lo hace cada punto cultural. El punto de vista de Malinowsky de la cultura está también basado en las necesidades humanas biosociales fundamentales; considera la cultura como una herramienta que responde a las necesidades de los seres humanos de una forma que va más allá de la adaptación.
Una de las contribuciones de Malinowsky que se han comentado a menudo es la idea de de la institución. La razón puede estar en que, al llamar a un fenómeno social específico “institución”, animó a los demás a usar esa palabra, ya que se utiliza de muchas maneras diferentes. Sin lugar a dudas, la idea básica es muy útil, no sólo en las descripciones etnográficas, sino también en los estudios comparativos. Una institución, dice Malinowsky, es un grupo de gente unida u organizada para un propósito determinado. Tienen unos estatutos, o explicación, y poseen la técnica con que conseguir, o intentar conseguir, dicho propósito.

Magia, ciencia y religión

Crimen y costumbre en la sociedad salvaje